El museo de la última exposición de FIT es un paraíso en la tierra

La pancarta anuncia la línea de exhibición en 27th Street en Manhattan, sin embargo, pocos visitantes del Museo FIT pueden estar preparados para lo que les espera en "Charming: A Rose in Fashion".
“Charming: A Rose in Fashion” es la primera exposición tras el cierre de la institución. La exposición estará abierta de forma gratuita el 6 de agosto y durará hasta el 12 de noviembre.
El letrero de pared a piso en el vestíbulo está decorado con tallos de rosas y rodea una enorme representación de uno de los más de 130 objetos en exhibición durante tres siglos-V. Buso tacones de aguja y enredaderas entrelazadas alrededor de la entrada a la exposición La estrecha escalera implica su grandeza visual e inmersión, pero para apreciar las ambiciones académicas de su organización inusual, es necesario entrar.
La exposición se divide en dos galerías. En primer lugar, una estructura que recuerda a un pabellón cerrado, que exhibe sombreros con temática de rosas de varios sombrereros internacionales y empresas de diseño de moda en los largos stands en forma de tallo, creando un próspero jardín interior bajo la luz artificial. Según el museo, la galería también incluye más de 75 retratos fotográficos originales de personas con rosas desde la década de 1850 hasta la de 1920. La página web de la exposición afirma que "la fotografía de estudio y de aficionados se está volviendo cada vez más accesible".
La galería principal lleva la inspiración de la flor del mismo nombre a un nuevo nivel en el entorno de cultivo. Las paredes están decoradas con suaves rosas, la música de fondo les rinde homenaje y la acera está delimitada por enrejados de jardín. El aspecto más llamativo de la galería es la forma inusual de mostrar los objetos. No están ordenados cronológicamente. En cambio, las partes dedicadas a colores específicos -rojo, rosa pálido y blanco, negro y el resto “mezclados” - y sus correspondientes significados simbólicos culturales se explican en detalle a través de muchas placas informativas en la exposición.
Hasta cierto punto, el espíritu de la exposición en sí es como una rosa. Si los objetos que se muestran en una diversidad asombrosa son flores, entonces los materiales de información que los rodean como tallos proporcionan funciones importantes al revelar el trasfondo histórico de su existencia y las intenciones del diseñador que los creó.
Uno de los primeros signos que aparecen en la exposición revela cómo utiliza el símbolo de la rosa como lente para examinar y criticar a la sociedad. El logotipo describe la desigualdad en la industria de la fabricación de flores artificiales que fue prominente en las principales ciudades de la moda desde la década de 1860 hasta principios de la de 1960. En París, este es un oficio profesional a través de aprendizajes, pero en Nueva York y Londres, los mismos productos son fabricados casi universalmente por adultos y niños en condiciones de explotación. Estos productos se ven afectados por tintes tóxicos, humos de calefacción y luz insuficiente.
La era actual puede ser diferente, pero los problemas de desarrollo económico y ambiental en la producción masiva de ropa de consumo aún existen.
Cada parte codificada por colores de la segunda galería se basa en los objetivos cerebrales de la primera galería. El sitio web del museo afirma que las dos primeras partes están tradicionalmente relacionadas con diferentes aspectos de la feminidad. El rojo está relacionado con el "amor, la pasión y la devoción", mientras que el blanco y el rosa pálido simbolizan la "ceremonia de madurez desde el nacimiento hasta el matrimonio" y la "pérdida de la virginidad y la muerte".
En una industria que tradicionalmente considera a las mujeres como las principales consumidoras pero cuya clase alta está dominada por hombres blancos, el desempeño de la feminidad es fascinante. El museo ha decidido adquirir nuevamente la obra de Ninomiya Noir Kei Ninomiya, cuya elaborada ropa se ha comparado con una gran cantidad de flores, agregando una nueva perspectiva al diálogo. El material cortado con láser de Ninomiya se cuelga intrincadamente en la correa de cuero artificial a la Mad Max, agregando un toque atrevido y sexy. El sitio web del museo dice "rechazar cualquier concepto frágil que pueda estar relacionado con flores o mujeres".
La parte roja también participó en un tipo diferente de comentario sociopolítico, incluido un vestido de Prabal Gurung con cinturón, preguntando "¿Quién se convertirá en estadounidense?" De su desfile de primavera de 2020. Teniendo en cuenta que Gurung aceptó el desafío antes de que se anunciara el tema “In America” de la Met Gala 2021, parece justo que su trabajo apareciera en la alfombra roja y actualmente se exhiba en la exposición “In” en el Anna Wintour Costume Center. . Estados Unidos: Diccionario de moda. "
La parte negra mezcla de manera interesante la elegancia clásica y el delicioso conjunto gótico, mientras que la parte mixta reafirma el enfoque de la exposición en el género al mostrar rosas de moda masculina y diseño neutro.
El diseñador independiente neoyorquino Neil Grotzinger exhibió obras que mostraban su rechazo a la masculinidad tóxica y la subversión erótica, el uso de materiales de código femenino y el uso político deliberado de la transparencia. El sitio web del museo afirma que su colección "explora los conceptos de masculinidad, queerness, poder y sensualidad".
Los roles de género, como las rosas artificiales, se jactan de la ilusión de la naturaleza, ocultando el esfuerzo y el propósito detrás de su construcción y mantenimiento. Sin embargo, a medida que se siguen atacando los derechos de las personas transgénero y sin género, el repentino interés de la moda dominante en la hermafrodita es, en última instancia, una fascinación voyeurista "extraña", regresiva, o un signo de sueños. Observe que una persona marginada puede expresar con seguridad y alegría que su mundo se acerca a la realidad.
Finalmente, gracias a la participación de tres consumados historiadores de la moda, "Intoxicating: The Rose in Fashion" aceptó una revisión académica de la moda: la directora y curadora principal del MFIT Valerie Steel y la profesora de la London School of Fashion Amy de Co-curadora de la Haye and Coron Hill, comisario de MFIT. La exhibición en vivo está acompañada de un seminario virtual realizado el 30 de abril. Consta de cinco conferencias, que se pueden ver en el canal de YouTube del MFIT, y un libro del mismo nombre de de la Haye publicado por Yale University Press.
Los neoyorquinos no deben privarse de la oportunidad de presenciar, especialmente los estudiantes de Baruch, el MFIT está a solo 15 minutos a pie del campus.


Hora de publicación: Oct-13-2021

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